V CERTAMEN PARA ESTUDIANTES DE ARTE DIGITAL
En esta nueva edición invitamos a estudiantes y artistas digitales a reflexionar sobre el concepto de habitar: qué significa construir, ocupar o transformar un espacio físico, emocional o virtual.
Habitar puede ser refugio o desplazamiento, memoria o tránsito, cuerpo o territorio. A través de obras digitales que aborden esta idea desde perspectivas íntimas, sociales o tecnológicas, buscamos explorar cómo el arte puede representar la relación entre las personas y los lugares que las definen.
El V Certamen para estudiantes de SMTH, propone una mirada abierta y contemporánea sobre el hogar, el arraigo y los modos en que habitamos el mundo. En esta edición contamos con la colaboración de los centros: CC Príncipe Pío (Madrid), CC Plenilunio (Madrid), CC Zielo Pozuelo (Madrid), CC L'Aljub (Alicante), CC Isla Azul (Madrid), CC Boulevard Vitoria (Vitoria), CC Lagoh (Sevilla), CC Oasiz (Madrid), CC Max Center (Bilbao), CC Nuga (Madrid), CC Palacio de Hielo (Madrid), CC Nueva Condomina (Murcia), CC L'IllaDiagonal (Barcelona).
La convocatoria estará abierta del 1 de Enero de 2026 al 28 de marzo de 2026.
Un jurado de expertos seleccionará las cinco mejores obras, que recibirán un premio de 500 € cada una y serán expuestas en todas las pantallas del 30 abril al 31 de julio de 2026.
Habitamos casas, cuerpos, recuerdos y rituales.
Habitamos objetos, ruidos, heridas. También habitamos el mundo.
Esta convocatoria nace de una pregunta simple pero urgente: ¿qué significa habitar? El hogar no siempre es un techo. Puede ser un gesto, un recuerdo, un cuerpo que nos cuida. Pero también puede ser frontera, ausencia, exilio, conflicto.
Invitamos a estudiantes y artistas digitales a explorar el habitar íntimo desde lo cotidiano hasta lo universal, desde lo corporal hasta lo político, desde lo espiritual hasta lo tecnológico.
Buscamos que esta exposición de arte digital actúe como arquitectura poética de los espacios que habitamos —visibles e invisibles—: lo cercano convertido en símbolo, el gesto como canal de comprensión, el objeto como memoria, el cuerpo como refugio o campo de batalla.
Este certamen es una invitación a transformar lo íntimo en imagen, lo personal en acto colectivo, y el arte en posibilidad de cuidado, escucha y transformación.
¿Y si el hogar no fuera un lugar, sino una forma de mirar?
Habitamos casas, cuerpos, recuerdos y rituales.
Habitamos objetos, ruidos, heridas.
También habitamos el mundo.
Esta convocatoria nace de una pregunta simple pero urgente: ¿qué significa habitar? El hogar no siempre es un techo. Puede ser un gesto, un recuerdo, un cuerpo que nos cuida. Pero también puede ser frontera, ausencia, exilio, conflicto.
Invitamos a estudiantes y artistas digitales a explorar el habitar íntimo desde lo cotidiano hasta lo universal, desde lo corporal hasta lo político, desde lo espiritual hasta lo tecnológico.
Buscamos que esta exposición de arte digital actúe como arquitectura poética de los espacios que habitamos —visibles e invisibles—: lo cercano convertido en símbolo, el gesto como canal de comprensión, el objeto como memoria, el cuerpo como refugio o campo de batalla.
Este certamen es una invitación a transformar lo íntimo en imagen, lo personal en acto colectivo, y el arte en posibilidad de cuidado, escucha y transformación.
¿Y si el hogar no fuera un lugar, sino una forma de mirar?
TEMA
ARQUITECTURA POÉTICA
IMAGEN / JURADO
EX FIGURA
Bárbara Stallone estudió arquitectura en Venecia y Mendrisio, bajo la tutela de Ishigami, Aires Mateus y Botta. Posteriormente, trabajó en BIG Nueva York, Kengo Kuma y Sou Fujimoto, antes de colaborar en la industria de la moda con Villa Eugenie en la producción de escenografías para desfiles de moda de varias marcas importantes.
Francisco Silva estudió en la Escuela de Arquitectura de Oporto, bajo la enseñanza de Siza y Souto de Moura, y en la Academie van Bouwkunst. Más tarde, trabajó para Jean Nouvel, Sou Fujimoto y, recientemente, con diversas marcas de moda y museos en el desarrollo de proyectos de escenografía.
EX FIGURA es la combinación de ambos y, en esencia, un estudio multidisciplinar que opera a través de diferentes formas de arte.
Fusionando el conocimiento y la experiencia de personas que trabajan en arte, arquitectura, diseño y otros campos, el objetivo de cada proyecto es crear una estrategia que, aprovechando las características del lugar, logre generar una experiencia significativa para quienes la vivan. Después de diseñar y construir múltiples espacios y objetos en distintas partes del mundo, el estudio considera fundamental colaborar con personas de diferentes procedencias en cada nuevo proyecto.
Bárbara Stallone estudió arquitectura en Venecia y Mendrisio, bajo la tutela de Ishigami, Aires Mateus y Botta. Posteriormente, trabajó en BIG Nueva York, Kengo Kuma y Sou Fujimoto, antes de colaborar en la industria de la moda con Villa Eugenie en la producción de escenografías para desfiles de moda de varias marcas importantes.
Francisco Silva estudió en la Escuela de Arquitectura de Oporto, bajo la enseñanza de Siza y Souto de Moura, y en la Academie van Bouwkunst. Más tarde, trabajó para Jean Nouvel, Sou Fujimoto y, recientemente, con diversas marcas de moda y museos en el desarrollo de proyectos de escenografía.
EX FIGURA es la combinación de ambos y, en esencia, un estudio multidisciplinar que opera a través de diferentes formas de arte.
Fusionando el conocimiento y la experiencia de personas que trabajan en arte, arquitectura, diseño y otros campos, el objetivo de cada proyecto es crear una estrategia que, aprovechando las características del lugar, logre generar una experiencia significativa para quienes la vivan. Después de diseñar y construir múltiples espacios y objetos en distintas partes del mundo, el estudio considera fundamental colaborar con personas de diferentes procedencias en cada nuevo proyecto.
ARTISTAS GANADORES
ANNA REN
MARCOS & HEF
YAGO PASCUAL
SOFIA ESCRIBANO
JORDI CABESTANY
ARTISTAS
ESTEBAN RIVERA
Diseñador colombiano, actualmente radicado en Valencia, España. Cursando el Máster Oficial en Diseño Interactivo en la Escola d’Art i Superior de Disseny de València (EASD). Amante de la música, admirador del arte y los eventos culturales. Su trabajo se mueve entre lo analógico y lo digital, combinando elementos del mundo físico con tecnologías digitales para generar estímulos envolventes. Se interesa en el new media art, el arte generativo, las instalaciones interactivas y las experiencias inmersivas. Utilizando como herramientas principales Touchdesigner, Ableton Live y Python.
'Digital Cascade' es una obra contemplativa que explora el movimiento orgánico y las transformaciones sutiles a lo largo del tiempo. La pieza despliega una cascada generativa de píxeles que se deslizan y reconfiguran, evocando la dualidad entre lo natural y lo virtual. Mientras el código gobierna la estructura de la obra, su comportamiento sugiere lo impredecible y efímero, recordándonos cómo, en la actualidad, incluso los elementos más primitivos y naturales son permeados por la sociedad tecnológica.
IÑAKI CANCILLO
Iñaki Cancillo Mora es un diseñador y artista visual que explora cómo el diseño y los medios digitales moldean las narrativas culturales. Con una formación en arquitectura, su práctica abarca proyectos artísticos y curatoriales, gestión de proyectos y creación de contenido digital. Trabaja con técnicas tanto manuales como digitales, utilizando herramientas como la fotogrametría, el modelado 3D y el diseño sonoro para construir experiencias visuales inmersivas. Su obra reimagina los límites entre la tecnología, el arte y la cultura material, reflexionando sobre cómo los medios digitales transforman los procesos creativos y las percepciones.
'Digital birth' reflexiona sobre el nacimiento en un mundo donde la tecnología moldea, contiene y media los cuerpos. La obra sitúa este acto dentro de entornos sintéticos, donde lo orgánico se despliega filtrado por capas de artificialidad, cuestionando los límites entre lo natural y lo manufacturado. A través de un cuerpo parcialmente visible y distorsionado por interfaces plásticas, se revela la tensión entre la vida biológica y los marcos digitales que la encuadran. El marco rígido funciona como límite y soporte, sugiriendo una estructura mayor que regula el movimiento y la autonomía. Al aislar este momento de emergencia, Digital birth explora cómo la identidad humana se construye bajo la influencia de sistemas externos, poniendo en juego la estética de lo artificial y la frágil relación entre control y libertad en la era digital.
LIDA ZACHAROPOULOU
Lida Zacharopoulou es una artista interdisciplinaria, programadora creativa y científica de datos originaria de Atenas, Grecia. Posee una licenciatura en Ciencias de la Computación (Universidad de Atenas) y una maestría en Sistemas Cognitivos y Medios Interactivos (UPF). Trabajó como ingeniera de software en CERN y actualmente trabaja en el campo de la ciencia de datos mientras completa una maestría en Artes Digitales en la Escuela de Bellas Artes de Atenas. Ha participado en festivales internacionales, incluidos Sónar+D (Barcelona), FILE Festival (São Paulo) y ROS Film Festival (Alicante), así como en exposiciones colectivas en lugares como Medialab-Prado (Madrid), Kunstquartier Bethanien (Berlín), VAA (Vilna), Technopolis (Atenas), Kapnergostasio (Atenas) y Costa Navarino (Pylos).
'Latent Life' investiga los límites entre lo artificial y lo orgánico, lo real y lo simulado. Reflexiona sobre la identidad como un concepto en constante cambio en entornos digitales. Mediante un diálogo con la inteligencia artificial, textos se transforman en formas de vida. Estas formas emergen del espacio latente del algoritmo y cuestionan la autenticidad digital. Respiran, se disuelven y reconfiguran, mostrando la inestabilidad del yo virtual. La obra plantea si lo digital puede generar vida real o solo simula lo existente. Difumina las fronteras entre creación e imitación, autenticidad y transformación. En el marco de Reflejos Digitales, se interroga sobre la verdad tras las formas cambiantes.
OFF_DISARTIST
Artista 3D de nacionalidad Franco Española viviendo actualmente en Madrid estudió 4 años de grado de animación en la U-tad. Especializado en render y shaders a tiempo real para visuales y experiencias interactivas. Desde hace unos años se interesó por los visuales en vivo a tiempo real. Ha desarrollado proyectos para artistas musicales como Kinda Patri o JustinBEATS enfocándose en la creación de atmosferas que acompañen a la perfección sus proyectos y conciertos. Por otro lado, ha participado en espectáculos como VJ y Artista 3D para eventos como ROOTEDcon (Madrid) y Arcu Atlanticu (Gijón), desarrollando proyectos audioreactivos e interactivos.
'PERSONALITY_ERROR' critica como las personalidades se forman a partir de lo que se ve y se siente. Sin embargo, gran parte de estos estímulos provienen de los mundos digitales. En una constante transformación, la personalidad refleja lo que es, oculta tras máscaras imaginarias que giran a su alrededor. El mundo se ve a través de una ventana ficticia, donde todo, al final, se convierte en datos que se pierden en el infinito. Un simple error puede transformar toda esa maravilla conocida en un infierno. Con esta obra, se quiere mostrar la dualidad de las redes sociales y de internet: cómo se transforma constantemente y se reflejan esos mundos dentro de uno mismo. También se desea evidenciar cómo, en muchas ocasiones, se ocultan tras máscaras frente a los demás. La digitalización ha aportado grandes beneficios al crecimiento, pero, al mismo tiempo, ha hecho olvidar lo que realmente es real y tangible, como cuando el cerebro se pierde y no distingue la realidad de lo digital.
P.A.R.T.V
Colectivo de diseñadores de diferentes nacionalidades, localizado en Madrid. Enfocados en el diseño digital y apasionados por la creación audiovisual y la experimentación.
'Altered Ego' es un proyecto que dialoga sobre las consecuencias negativas del contexto digital actual. A lo largo de sus oníricas, y en ocasiones pesadillescas, imágenes se relatan problemas como la dismorfia corporal, la autoestima/comparaciones constantes y la pérdida de la identidad del individuo. Está estructurada en forma de bucle con el objetivo de generar una sensación de reiteración, esto se debe a la naturaleza rutinaria de nuestra relación como sociedad con las redes sociales y lo habitual de su consumo. La estética alternativa y que alude a fenómenos como la aberración cromática o la fragmentación mediante collage trata de transmitir precisamente esa supresión de aquello que te caracteriza para no volver a encontrarlo.
ESPACIOS EXPOSITIVOS
13 ESPACIOS // 7 CIUDADES
ANNA REN
Anna Ren es una artista de nuevos medios con sede en Nueva York que trabaja en animación expandida, performance, instalación y medios interactivos. Su práctica explora espacios híbridos entre entornos físicos y digitales, centrándose en cómo la tecnología media las relaciones entre el cuerpo, la memoria y el espacio.
Inspirándose en sus experiencias viviendo en distintas ciudades, su trabajo investiga el desplazamiento cultural y los estados intermedios a través de entornos inmersivos y sistemas visuales en tiempo real.
Ren completó recientemente su licenciatura en Bellas Artes (BFA) en Medios Interactivos en la Escuela de Artes Tisch de la NYU. Su obra ha sido exhibida y presentada internacionalmente en espacios como Ars Electronica Festival, ISEA, ACM TEI, CAA y THE BLANC.
In-Between, de Anna Ren, explora la búsqueda de pertenencia en un mundo inestable a través de un/a viajero/a que transita entre dos entornos: un bosque alienante y un jardín de orquídeas. La obra plantea el habitar como un estado intermedio entre cuerpo, memoria y entorno, donde lo orgánico y lo artificial se entrelazan. Al final, ambos espacios se fusionan sin resolver sus tensiones, mostrando la identidad como algo cambiante. El diseño sonoro combina técnicas digitales y voz generada por IA para crear una presencia liminal, reflejando una existencia contemporánea entre lo humano y lo artificial.
MARCOS & HEF
Marcos Micozzi y Hef Prentice son artistas argentinos cuya práctica colaborativa reúne sonido, escultura, diseño digital y tecnologías inmersivas para explorar nuevas formas de percibir la memoria, el espacio y el tiempo. Su trabajo transforma fenómenos efímeros en experiencias materiales y visuales mediante audio, realidad virtual, modelado digital, animación e impresión 3D.
XYZ Sound Sculptures propone un lenguaje innovador para recopilar, reinterpretar y transformar el sonido. Es un sistema protolingüístico que transforma el sonido en forma, el tiempo en materia y la trayectoria en estructura tangible.
Este proyecto es una confluencia de múltiples disciplinas: acústica, física de ondas, análisis de movimiento, ingeniería de sonido, diseño generativo, escultura digital, neurociencia cognitiva e impresión 3D. Aquí, el sonido da lugar a la forma, una inversión radical del paradigma tradicional donde la forma genera sonido. Es una glifosografía tridimensional que propone una nueva manera de pensar la comunicación y la percepción, desafiando las formas tradicionales de experimentar el sonido. Un alfabeto embrionario y no verbal que algún día podría ser leído por inteligencias futuras.
XYZ Sound Sculptures propone también un sistema de archivo sin precedentes. Así como el pentagrama codificó el sonido en altura y duración pero descartó su dimensión espacial, XYZ captura exactamente lo que el pentagrama ignora: la trayectoria del sonido en el espacio, cómo habitó el aire, cómo se movió. Cada escultura es un documento tridimensional de un evento sonoro, el registro de una información que hasta ahora no tenía forma de ser preservada.
YAGO PASCUAL
Soy un artista visual de 22 años, estudiante de bellas artes en la universidad complutense de Madrid, mi práctica trata sobre tecnología, corporalidad, sonido y género. Mi trabajo explora cómo los cuerpos se relacionan con entornos digitales y físicos, cuestionando estructuras de poder, identidad y percepción.
Desde una aproximación híbrida, desarrollo proyectos tanto en medios tradicionales como el escultura, o la instalación, como en formatos digitales, incluyendo video, arte sonoro y herramientas tecnológicas. Mi obra busca generar experiencias sensibles e inmersivas, invitando a la reflexión crítica y al diálogo sobre los vínculos entre lo humano, lo tecnológico y lo colectivo.
Esta obra de arte propone un recorrido íntimo por los espacios interiores del ser, representados como habitaciones cambiantes, prótesis electrónicas y paredes que respiran. Cada muro simboliza límites, recuerdos y defensas. Habitar los adentros implica reconocer la arquitectura propia, aceptar sus sombras y recorrerla sin huir. En ese tránsito emergen miedos, culpas y deseos reprimidos que deforman el paisaje. Sin embargo, al mirarlos de frente, se transforman en guías. La obra invita a explorar, comprender y reconciliarse con ese territorio interno en constante mutación y encontrar sentido en la oscuridad propia.
SOFIA ESCRIBANO
Sofia Escribano (Hunan, 2003) es una artista española, graduada en Bellas Artes en la TAI que actualmente estudia el máster de Moda Digital en el IED. Trabaja principalmente a través del vídeo y la escultura, bebiendo de los lenguajes de la moda y el 3D.
Su práctica explora temáticas vinculadas al espacio, el tiempo y el afecto mediante medios virtuales orgánicos como la cera y lo vegetal. Investiga la finitud desde los límites entre diferentes planos o mundos y la identidad como respuesta a un ecosistema relacional, construyendo un imaginario donde la idea de la linde y el núcleo son cuestionados a través de una fantasía-ficción.
Spectro bebe del future nostalgia. Es una reflexión sobre la añoranza de un futuro compartido que nunca llegará a existir. La obra se sitúa en el duelo del amor y lo materializa desde la ausencia, entendida como un vacío al que te arraigas. Son rastros del pasado que permanecen en el tiempo, habitando entre la memoria y el deseo, y así construyendo anhelos de lo que podría haber sido.
En este contexto, la ausencia de un cuerpo sobre otro da lugar a ruinas que habitan un tiempo al que no pertenecen, componiendo arquitecturas del pasado en un presente donde solo encajan bajo la suspensión del deseo, o como espectros de un futuro platónico.
JORDI CABESTANY
Jordi Cabestany es cineasta y creador audiovisual. Posgrado en Fotografía Cinematográfica por la ESCAC, máster en Vídeo Digital por la UPF y licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona.
Actualmente imparte clases en el ámbito artístico y codirige la compañía de danza contemporánea La Taimada, junto a la coreógrafa Olga Álvarez.
Ha realizado películas y vídeos que se han proyectado en numerosos festivales internacionales y se han expuesto en centros de arte.
STONE AGE es una meditación digital. Una tensión entre el peso y el vacío. La obra desnuda el espacio digital para encontrar una verdad mineral, su permanencia. Toda forma es una realidad, una memoria detenida en el tiempo. STONE AGE es una cartografía del alma, una memoria geológica. La voluntad de dejar huella.
